Per questo ogni volta che viene annunciata una versione cinematografica di un giallo i fan del libro cominciano a tremare e i critici ad affilare le penne.

Il testo aveva già goduto di un adattamento realizzato in Svezia, “casa natale” e ambientazione del libro, e il risultato era stato molto buono. Perché allora andare a sfidare la sorte una seconda volta? Hubris? Adattamento per il pubblico americano, notoriamente allergico a tutto ciò che non si svolga nei confini degli States?

La risposta a queste due domande è fortunatamente "no"; non si tratta di Hubris perché chi di dovere ha pensato bene di affidare il tutto ad un professionista di altissimo livello come David Fincher; non si tratta di una “yankeizzazione” perché l’ambientazione rimane la Svezia, i nomi rimangono svedesi, nulla viene cambiato a favore dell’altra sponda dell’Atlantico.


Uomini che amano i film

Fincher era l’uomo giusto da chiamare, il suo curriculum è un’impressionante inanellamento di successi di critica e pubblico e ha sempre dimostrato come i film d’azione (mai fine a sé stessa) siano un campo in cui dispone di una notevole esperienza. Un’arte, quella di Fincher, che si mostra nelle fredde e un po’ cupe riprese di Stoccolma, nella selvatichezza naturale dell’isola in cui si svolge gran parte del film, nella bianchissima e fortemente geometrica casa sulla collina.

Il film è duro, aggressivo, si snoda con un ritmo veloce che però non tralascia i dettagli né si mostra indulgente nelle scene di violenza, sbattendo in faccia allo spettatore quello che accade senza filtri o semplificazioni, giudicandolo adulto per confrontarsi con azioni che seppur recitate sono più che mai verosimili e arrivano come un pugno allo stomaco. E’ quasi difficile seguire la scena dello stupro, che arriva dritta allo spettatore con una forza ed efficacia raramente vista in momenti così delicati da rappresentare.

Ma Fincher non è mai stato interessato all’azione pura, al provocare una reazione nello spettatore con la sola violenza. Ci mostra così lo spaccato di vita di una intera famiglia, una famiglia di ricchi industriali, i Vanger, in cui la vena della follia si è instaurata da tempo e si è diffusa su più rami, lasciandone pochi completamente sani. Ci mostra questo spaccato con l’uso frequente di flashback illuminati come le foto ormai ingiallite del passato, come quelle foto che si tengono nel cassetto in ricordo di una vacanza estiva negli anni ‘60. Nei flashback il contrasto tra l’aspetto lindo e perfetto delle immagini, tra l’aurea da ricordo felice e quello che lo spettatore vede o conosce crea un conflitto che mette quasi a disagio.

A mettere ordine nel caos di questa famiglia viene chiamato Mikael Blomkvist, giornalista d’inchiesta appena uscito distrutto da un processo per diffamazione dove non è riuscito a provare la concretezza delle proprie accuse contro un imprenditore malavitoso. Gli viene proposto di riscattarsi con il supporto di Henrik Vanger, “capo famiglia” e vero artefice delle industrie Vanger, che lo incarica di scoprire cosa sia successo a sua nipote Harriet, scomparsa misteriosamente 36 anni prima.




I traumi infantili sono difficili da superare

La ricerca sarà complessa e porterà a pochi risultati fino a che Blomkvist non deciderà di chiedere l’aiuto di Lisbeth, impressionato dalle capacità della ragazza dopo aver letto il dossier che lei aveva preparato su di lui per conto di Henrik Vanger. 

Lisbeth è una ragazza particolare, messa sotto il controllo dei servizi sociali fin da bambina per incapacità mentale: presenta una tipica personalità borderline incline a scatti di violenza, e sembra essere dotata di particolari capacità di apprendimento che la hanno resa un’abilissima hacker (termine per una volta non usato completamente a sproposito visto che la ragazza sembra utilizzare qualche tecnica perlomeno plausibile). Queste sua capacità la hanno portata ad essere uno dei migliori investigatori per una ditta di indagini private, e ciò sarà fondamentale per Blomkvist. I due si ritroveranno ad analizzare dati, foto e archivi in cerca del più piccolo dettaglio in grado di dare un senso alla scomparsa della ragazza, in un susseguirsi di pensieri e intuizioni a volte difficili da seguire.

La lunghezza del film (ben 160 minuti) ha permesso a Fincher di muoversi sia nello spazio - le indagini e la narrazione si svolgono in luoghi diversi - sia nel tempo, con l’uso frequente dei già citati flashback. Per la prima metà del film poi le storie di Blomkvist e Lisbeth scorrono parallele senza incrociarsi, ed è in questa parte della storia di Lisbeth che Fincher sembra trovarsi maggiormente a proprio agio. Il disagio vissuto dalla ragazza è reso molto bene, merito di Fincher ma anche di Rooney Mara, l’attrice che la interpreta, in grado di essere credibile sia durante i violenti scatti di ira che nei momenti in cui la giovane si avvicina all’autismo. Mara riesce nel delicato compito di non creare un eccessivo stereotipo della persona con problemi mentali, mostrandoci tutti i lati della complessa personalità di Lisbeth.

Il cast è di ottimo livello, tutti gli attori a partire da Daniel Craig e Christopher Plummer alla star svedese Stellan Skarsgård mettono in scena il proprio personaggio senza sbavature o incertezze, riuscendo convincenti e credibili nei loro rispettivi ruoli. E’ un peccato che ad alcuni di loro non sia stata data la possibilità di esprimersi maggiormente.


Ti entra nelle ossa

Ciò che viene percepito di più nel film è il freddo: il freddo dell’inverno svedese, il freddo delle case di persone traumatizzate, il freddo del vuoto nei lunghi corridoi di un archivio, il freddo sul volto delle persone.

Non c’è un vero e proprio lieto fine, e non solamente perché il libro da cui è tratto è solo il primo di una trilogia, ma perché quella sensazione di freddo non viene mai via del tutto, è sempre lì a ricordarci l’incombenza delle brutte notizie. Non è forse un caso che solamente i flashback di Henrik siano rappresentati come assolati e in piena estate, eventi del passato filtrati da una memoria che li ricorda con nostalgia.

L’aspetto musicale ha un pregio spesso tralasciato, ovvero il fatto che si fonde così bene con le immagini che quasi ci si dimentica di prestare attenzione, perché la musica accompagna con naturalezza ogni scena. Non è presente una musica “didascalica”, che suggerisce allo spettatore che sensazione provare, ma una musica che dà forza alle immagini.

Di particolare impatto è la sequenza dei titoli di testa, un vero capolavoro di regia e idea artistica, sostenuta da una musica martellante che ti entra nelle orecchie e le fa rimbombare al ritmo delle immagini che passano sullo schermo (alla colonna sonora ha lavorato Trent Reznor, e il pezzo dei titoli è infatti la cover dei Nine Inch Nails di “Immigrant Song”), dando una forza notevolissima a una sequenza quasi astratta e di forte impatto, tanto da riuscire a rubare completamente la scena agli stessi titoli di testa che dovrebbe supportare.

“Millenium - Uomini che odiano le donne” è un titolo che era atteso con qualche scetticismo da parte di tutti, sembrava che il tutto fosse stato fatto solo per sfruttare il successo commerciale della serie, ma Fincher ha saputo operare bene e quello che ci presenta è un film molto riuscito, un film crudo ed efficace a cui è difficile muovere critiche. Quella che gli si può sicuramente muovere però è di non aver approfondito a dovere la psicologia di Blomkvist e non aver osato andare più a fondo nella mente dell’assassino, cosa che avrebbe reso il personaggio più interessante. In generale si ha la sensazione che alcuni personaggi secondari siano stati sfruttati poco, e che nel testo originale avessero più risalto.

Altra critica che si può muovere al film è l’eccessiva velocità con cui a volte vengono fatti notare dei dettagli fondamentali: un rapido passaggio di camera e Blomkvist o Lisbeth che indicano cosa guardare, pochi istanti per lo spettatore per rendersi effettivamente conto di cosa stiano indicando, con il rischio di perdere qualcosa. E’ palese che ciò sia dovuto alla necessità di dover far rientrare in scene di pochi minuti ragionamenti che nel libro potevano durare anche pagine, ma ci si sarebbe potuto aspettare qualcosa di più in merito da un regista che non è certo un novellino.


Conclusioni

Lo spettatore che entra in sala, se non conosce già il libro o il film svedese, si troverà probabilmente di fronte a qualcosa di diverso di quello che si aspettava, qualcosa che può arrivare a colpirlo direttamente e a farlo sentire disorientato. La struttura di fondo non è differente da quella di un qualsiasi giallo, non brilla per intuizioni geniali ma lo fa per un costante e continuo lavoro di precisione. Alla fine del film si esce dalla sala soddisfatti di aver visto un buon giallo e un film molto ben girato, probabilmente non il migliore di Fincher o una pellicola che rivoluzionerà qualcosa, ma comunque un’ottima opera.

Non c’è da sorprendersi quindi se in questo film il numero di guest star che compare in un cammeo è incredibilmente alto, andando a pescare nel passato come nel presente, in Whoopi Goldberg e Mikey Rooney come in Jim Parson (il suo cammeo è probabilmente il migliore) e Neil Patrick Harris.



Si torna in scena!

Protagonista, o sarebbe meglio dire protagonista umano, del film è poi Jason Segel nel ruolo di Gary, già famoso per essere nel cast di “How I met your Mother” insieme a Neil Patrick Harris.  

Il protagonista “non umano” del film è invece Walter, un muppet che diventa un fan così grande del “The Muppet Show” da diventarne quasi ossessionato e sviluppare una vera e propria adorazione per Kermit.   Gary e Walter sono, per quanto strano possa sembrare, due fratelli vissuti fianco a fianco nella allegra cittadina di Smalltown, una piccola città immaginaria dove il tempo sembra essersi fermato agli anni ‘50 e dove tutte le persone sono dei sorridenti stereotipi dell’immagine televisiva che l’america post-bellica amava dare di sé e dei suoi piccoli centri rurali.

La storia, semplice e diretta, inizia proprio in questa cittadina dove Gary decide di invitare la propria fidanzata Mary (la rossa Amy Adams), che di mestiere fa la mestra in una scuola elementare dove si insegna come riparare i motori delle auto, ad un romantico viaggio a Los Angeles. Gary non riesce però a non invitare anche il fratello muppett in quanto nella Città degli Angeli sono locati i Muppet Studios, il luogo dove tutti gli show dei Muppet venivano girati. Quando il trio arriva in città (rigorosamente in un pullman stile anni ‘50) scopre però che i Muppet Studios sono abbandonati ed in completa rovina. E’ qui che Walter si intrufola dove non dovrebbe scoprendo per caso i piani del ricco magnate Tex Richman (il bravo Chris Cooper), che vuole acquistare gli studi per raderli al suolo e trivellare il terreno in cerca del petrolio sottostante.   

L’unico modo per salvare gli studi è che i Muppet li riacquistino con dieci milioni di dollari entro qualche giorno, ma i quest\'ultimi si sono divisi tempo prima e ormai Kermit vive solo in una vecchia e polverosa magione; c’è così bisogno di rimettere insieme il gruppo per salvare gli studi. Ed esclusa qualche piccola deviazione la trama è tutta qui, un cattivo magnate vuole distruggere i sogni del bravo Walter e dei Muppet, e non si farà alcuno scrupolo per farlo, e i nostri devono riuscire a riunirsi e a creare uno show per raccogliere i soldi necessari. E’ palese che la trama sia solamente un pretesto, un’impalcatura per dare spazio ai Muppet.  

E di spazio per i Muppet ne serve molto perché questi pupazzi sono tantissimi e praticamente tutti hanno il loro spazio in scena, merito di una regia molto veloce che sembra non voler mai soffermarsi troppo sulla stessa inquadratura o sulla stessa scena. Il regista James Bobin è ben consapevole di star girando un film dei Muppet e non si fa alcun problema a infrangere la “quarta parete” di frequente, creando dei divertenti siparietti che riescono a strappare più di un sorriso anche ad un pubblico adulto.

La fotografia è sempre luminosa e riesce a rendere bene quella piccola saturazione dei colori che ben si accosta con un film per bambini e con la stoffa di cui sono fatti i pupazzi, accompagnando le ampie e ariose riprese della videocamera con il giusto mix tra ombre e luci. Anche nelle scene più cupe (viene subito in mente il nerissimo ufficio di Richman) non viene mai data una sensazione di grigiore, di spento, i colori la fanno sempre da padrone anche quando i Muppet non sono in scena.  


Tutti a passo di danza. Più o meno.

Ma questo film è sopratutto un piccolo Musical, dobbiamo quindi parlare anche delle musiche e delle canzoni, e purtroppo è qui che si presenta qualche problema. Non tutte le canzoni sono infatti degne di nota, probabilmente anche a causa di un doppiaggio delle parti cantate a volte decisamente non all’altezza. Le coreografie dei balli sono ben riuscite, così come le musiche, ma le canzoni in sé peccano di una certa semplicità compositiva che potrebbe risultare eccessiva anche per un pubblico di bambini. Quasi imbarazzante il pezzo rap di Richman, che sembra più il solito dovuto tributo a “ciò che ascoltano i gggiovani” che una canzone degna di essere nel film.  

Fortunatamente non tutte le canzoni soffrono di questi problemi e alcune risultano anche essere particolarmente gradevoli, pur con il peso del già citato doppiaggio problematico nelle parti cantate.  

Come già detto il cast di attori chiamato per questo film è, tra cast vero e proprio e comparse, veramente stellare, e può vantare un Jack Black che interpreta sé stesso (beh, quasi...) in ottima forma e i felicissimi cammei di Jim Parson (Sheldon di The Big Bang Theory) e Zach Galifianakis (Alan di Una notte da Leoni 1 e 2) a dare al tutto un po’ di pepe in più.  

Jasono Segel è bravo a recitare la parte del sempliciotto e qui non si smentisce, così come Amy Adams risulta efficace nel rappresentare la tipica ragazza semplice, determinata e anche un pochino  tormentata dall’amore. Tutto tende ad essere ovviamente sovra recitato, ma la cosa non stona affatto perché è chiaro che nessuno voleva fare qualcosa di diverso che rappresentare poco più che stereotipi, come se gli attori fossero versioni umane dei Muppet.  



D’altronde il tema dello scegliere cosa si è, in questo caso declinato nel “uomini o Muppet”, è una parte fondamentale del film ed è il messaggio morale che si è voluta dare al pubblico di bambini: crescere può essere difficile, ma permette di scoprire chi veramente si è e di credere in sé stessi.  

Il film è tutto sommato gradevole sia per bambini che per adulti, agli occhi del pubblico italiano soffre però dell’essere intriso di tutta una serie di riferimenti al Muppet Show e anche ai film precedenti, cosa che lo rende un po’ castrato, incapace di esprimere a pieno il proprio potenziale. Ovviamente questo non è un problema del film in sé, ma è un elemento di cui tener conto visto che la pellicola è chiaramente stata pensata per essere vista da un pubblico cresciuto a pane e Muppet.  


Conclusioni

Se avete un bambino da portare al cinema avrete davanti un film con cui si divertirà e da cui probabilmente uscirà con la curiosità di saperne di più sui Muppet; se invece eravate voi a guardare i Muppet da bambini, troverete un film in grado di divertirvi anche da adulti e di far tornare a galla tutta la vostra nostalgia, pur con tutti i suoi limiti.

Ecco Gianni alle prese con la madre

Un giorno però la sua vita monotona viene interrotta dall\'amico Alfonso, di professione avvocato, che lo invita a guardarsi attorno: tutti i suoi coetanei hanno storie d\'amore parallele con delle amanti. Dopo questa scoperta Gianni inizia a comportarsi in modo diverso con le donne che gli stanno attorno, per tentare di conquistarle. La sua prima preda si rivela essere Cristina, la badante della madre. Successivamente passa alla figlia di una cara amica, sempre della madre, ma che si rivela essere troppo impegnata dal mondo della musica. Per far colpo su di lei aveva deciso addirittura di comprarsi dei vestiti nuovi e di ricominciare a riprendere l\'attività sportiva. Arriva anche al punto di chiamare la sua ragazza delle medie che non vedeva da molto tempo per tentare di ripristinare il rapporto, ma quest\'ultima si addormenta sul divano durante la conversazione. A metterci lo zampino ci pensa lo stesso Alfonso che gli presenta due giovani donne bionde pensando di riuscire ad avere una qualche chance. 

Indossato il vestito nuovo... per niente

Con il passare del tempo Gianni si rende conto che oramai, alla sua età, certe cose non può più farle e si scopre essere inadeguato. Inizia così l\'avvio di un momento di depressione in cui si rifiuta anche di svolgere i soliti incarichi che gli vengono affidati. Per completare il tutto, una sera, mentre passava dalla sua vicina per portare a spasso il cane, viene invitato dentro casa, dove si sta tenendo una festa, e viene invitato a bere un cocktail, che a sua insaputa contiene un allucinogeno, che lo porterà in giro a zonzo per Roma insieme al cane, passando dall\'Ara Pacis fino ad arrivare alle panchine di Piazza Navona.

Gianni e le donne non è un film comico, è un\'opera che rispecchia la realtà di un uomo che una volta arrivato alla pensione non ha più attività da svolgere che lo tengono impegnato, ma soprattutto che lo tengano vivo. Un film consigliato a tutti, in particolare a chi volesse passare novanta minuti in maniera piacevole, divertente e senza troppe pretese.

Il sogno proibito di Gianni (e non solo).

La vita di Sato procede lenta e monotona: come già detto passa le giornate dormendo, guardando il computer e la televisione. Proprio quest\'ultima ha ispirato il titolo della serie: NHK è infatti la TV nazionale giapponese (Nihon Hoso Kyokai) che per l\'occasione è stata ribattezzata Nihon Hikikomori Kyokai che secondo l\'immaginazione di Sato questa cospirazione segreta ha come obiettivo di formare un esercito di Hikikomori. I rappresentati di questa NHK sono gli elettrodomestici e una squadra di goblin che appariranno durate il corso della storia deridendo e distruggendo le speranze del protagonista. Oltre a questo disturbo interiore, Sato è afflitto anche da un altro fastidio: la colonna sonora di un anime che viene messa a tutto volume dal vicino di casa.

La svolta della sua vita da isolato cronico avviene quando un signora anziana, accompagnata da una ragazza di nome Misaki Nakahara, propone a Sato una rivista religiosa. Sato non prende neanche in considerazione la rivista ma focalizza la propria attenzione sulla ragazza che appare come un angelo caduto in un mondo infernale. Dopo una serie di eventi i due si rincontrano e Misaki propone a Sato di firmare un contratto che gli permetterà di guarire dalla sua condizione di Hikikomori frequentando delle sedute in un parco situato vicino alla sua abitazione. Sato però non volendo accettare l\'aiuto della ragazza continua a raccontare bugie, fino ad arrivare ad affermare che lui è un “creativo” che lavora in casa.

Una volta tornato nel suo appartamento ricomincia a sentire la solita canzone proveniente dall\'appartamento affianco. Sato, ormai in preda alla disperazione, decide di uscire di casa e di bussare alla porta accanto scoprendo che il suo rumoroso vicino di casa non è altro che Kaoru Yamazaki, un suo vecchio compagno di scuola che in passato aveva addirittura provato a difenderlo da una banda di teppisti, senza però avere successo. Yamazaki si ricorda ancora il gesto benevolo di Sato e invita quest\'ultimo a rimanere a in casa sua. Tra una chiacchera e l\'altra emerge che Yamazaki frequenta un corso per diventare designer di videogame: nasce così la collaborazione tra i due per la progettazione di un “Gal-Game”, un genere videoludico incentrato sulle interazioni con delle affascinanti ragazze realizzate in stile anime, prodotto rivolto chiaramente ad un pubblico esclusivamente maschile.

Situazioni reali

Dopo aver parlato dell\'introduzione di Welcome to N.H.K, non resta che citare, senza chiaramente cadere nello spoiler, alcune situazioni reali legate all\'isolamento delle persone che propone la serie. La realizzazione di un videogioco del genere “Gal-Game” evidenzia chiaramente la difficoltà che hanno gli Hikikomori nel rapportarsi con il gentil sesso. Scrivere la sceneggiatura di un videogioco può risultare noioso, per cui meglio abbandonare tutto per fuggire con la vecchia fiamma della scuola Hitomi Kashiwa per un meeting offline, che lasciamo a voi il piacere di scoprire di cosa si tratta, oppure buttarsi a capofitto nel mondo dei giochi online per sfuggire alla realtà e passare la propria vita in un mondo fantastico e dinamico, fino ad arrivare a farsi convincere da una ex compagna di classe ad entrare in un giro illegale di vendita di prodotti sponsorizzati come naturali e sempre efficienti.

♫  Pururin Purupururin ♫

Una delle peculiarità dell\'opera sono sicuramente le musiche d\'accompagnamento. Sia le melodie orchestrali che quelle cantate, fino ad arrivare all\'opening e alle varie ending si adattano perfettamente al contesto, passando da suoni malinconici a versi che descrivono le situazioni che stanno vivendo i protagonisti.

Per concludere

Welcome to NHK è un anime che si lascia guardare facilmente e che in poche puntate catturerà completamente l\'attenzione dello spettatore, garantendo temi maturi che daranno diversi spunti di riflessione sul tema della vita, sulla felicità e sull\'esistenza di un qualcosa di superiore che condiziona l\'esistenza dell\'uomo.

Certo, siamo ancora distanti dai livelli raggiunti dalla Pixar, ma questa avventura in solitaria del Gatto con gli Stivali riesce a stare in piedi da sola, ad essere un film godibile e ben costruito, che riesce ad essere divertente senza ricorrere a troppi cliché e a gag da asilo. Apprezzabile inoltre la scelta di non inserire alcun cameo di personaggi dalla saga di Shrek, tanto da far pensare che il tutto si svolga in un mondo tutto nuovo.

Un nuovo inizio

Il nostro Gatto con gli Stivali è come sempre un latin lover, capace di conquistare gatte e donne con facilità e classe, e un abile ladro che si guadagna da vivere derubando le persone, ma con un’etica: non ruba alle chiese, e non ruba agli orfanotrofi. Il perché di questi scrupoli è presto detto, Gatto infatti è un orfano, che finisce da tenerissimo gattino sulla soglia dell’orfanotrofio del paesino di San Ricardo, dove trova una casa, una “madre”, e il suo primo vero amico, l’uovo Humpty Alexander Dumpty.

Le strade dei due divergono però improvvisamente e bruscamente, e i due non si rincontreranno finché la gatta ladra Kitty Zampe di Velluto non lo attirerà nel proprio nascondiglio, dove Humpty lo aspetta per proporgli di tornare insieme per aiutarlo a portare a compimento il loro vecchio sogno d\'infanzia: trovare i fagioli magici, salire nel castello tra le nuvole e rubare le uova d’oro che l’oca del castello depone.

L’impresa non sarà ovviamente semplice, tuttavia la storia di fondo è invece fin troppo semplice e lineare, con un unico colpo di scena, intuibile ben prima che accada. La trama di fondo è infatti la classica avventura senza pretese, con inseguimenti, piccole sorprese e le immancabili romanticherie e moine sul valore dell’amicizia; nemmeno il già citato colpo di scena, che fa virare nettamente la direzione della storia, può fare poi molto per ravvivare l’intelaiatura della trama.

Ma non è la trama a sorreggere questo film, sono bensì le battute azzeccate, una regia capace e una serie di idee particolarmente felici. 



Il gatto tira fuori gli artigli

Le battute de “Il Gatto con gli Stivali” concedono poco alla risata sguaiata e si mantengono quasi sempre su un livello meno di “pancia”, tanto che diverse battute sono chiaramente pensate per un pubblico più maturo che può cogliere i vari riferimenti, non certo colti ma comunque ben al di fuori dalla portata di un bambino. Basti pensare a quando Humpty decide di fondare il “Bean Club”, ed enuncia la prima e la seconda regola del club, e potete facilmente immaginare come esse siano “Non si parla del Bean Club”.

La regia di Chris Miller è vivace e in grado di mettere bene in risalto le scene, creando un buon ritmo e utilizzando a volte tagli di inquadratura a metà tra lo spaghetti western e lo stile “ad incastro” di Ang Lee, una ventata di aria fresca rispetto allo stile di molti precedenti lavori Dreamworks, che portavano ben poca novità sullo schermo. Miller sembra sapere sempre quale sia il punto migliore in cui piazzare la macchina da presa virtuale, quale inquadratura utilizzare per ravvivare le scene e quale musica, tutte gradevolissime, far suonare.



L’unico vero problema sorge con il flashback che serve a raccontare la storia della giovinezza di Humpty e Gatto, gradevolissimo in sé, ma che viene a piombare come un vero e proprio capitolo a parte della storia, interrompendo in modo fastidioso il corso della narrazione. Ciò che si può realmente rinfacciare a Miller è il fatto di non essere stato in grado di unire tutti i pezzi della storia in una narrazione che scorra fluidamente come un pezzo unico, ma di aver creato qualcosa di simile a degli spezzoni narrativi uniti tra di loro dalla trama di fondo. Lo spettatore non riesce così ad abbandonarsi completamente al flusso degli eventi e ne ricava una vaga ma tangibile sensazione di discontinuità. 

Quello che rende però particolarmente gradevole questo film sono i personaggi, che, principali o secondari che siano, sono tutti molto azzeccati. Da Humpty Dumpty con la sua lucidissima “follia”, passando per i calienti balli di Kitty, al nostro Gatto con gli Stivali, che è semplicemente irresistibile quando dà sfogo alla sua indole di semplice gatto, facendo gli occhioni dolci, rincorrendo una luce o miagolando dolcemente da cucciolo.

Ma anche i personaggi secondari spesso non sono da meno, come il vecchietto Jack (sì, quello dei fagioli magici) e la stralunata oca dalle uova d’oro, che riescono a mettere allegria con la loro sola presenza scenica.

Un discorso a parte merita il doppiaggio, che vede Antonio Banderas tornare nella parte del Gatto con gli Stivali anche nella versione italiana. Banderas è un attore capace, e anche quando recita in una lingua che non è la sua non sembra perdere minimamente la propria abilità, parlando un italiano pressoché perfetto (al netto del marcato accento spagnolo proprio di Gatto). La sua recitazione è eccellente, e dona moltissimo al personaggio conferendogli una personalità irresistibile. Purtroppo però Banderas era l’unico tra i doppiatori di prestigio in grado di recitare in italiano, e così il pubblico del nostro paese non potrà ascoltare il doppiaggio di Salma Hayek come Kitty Zampe di Velluto e di Zach Galifianakis come Humpty Dumpty (oltre al cameo di Benicio del Toro come capo delle guardie).
 

I due sono stati egregiamente sostituiti da Francesca Guadagno e dall’ottimo Alessandro Quarta, che da professionisti navigati quali sono ci hanno regalato un eccellente lavoro. Tuttavia non si può fare a meno di pensare che per un personaggio come Humpty solo Galifianakis, che ha raggiunto la fama interpretando Alan, il pazzo co-protagonista e vero mattatore dei due "Una Notte da Leoni", sia veramente in grado di rendere quella “follia lucida” propria del personaggio di Humpty. Il doppiaggio italiano è quindi, per tirare le somme, di ottimo livello, senza sbavature o voci fuori posto, sia per i personaggi principali che per quelli secondari.

In una casa molto piccola vivono persone molto piccole

Arrietty – il mondo sotto il pavimento, è tratto dal classico romanzo di Mary Norton “The borrowers”, in Italia noto con il nome di “Sotto il pavimento – la prima avventura degli sgraffignoli”, l\'ambientazione è però spostata dall\'Inghilterra anni 50 al Giappone odierno. Questo spostamento di ambientazione non è però affatto marcato, diventa anzi spesso difficile ricordarsi che quello osservato sarebbe il Giappone odierno. La casa in cui si svolge la quasi totalità del film è infatti arredata con uno stile prettamente inglese, e la natura incontaminata del bosco che la circonda aiuta a creare una sensazione di atemporalità, come se il tutto si svolgesse in un “mondo delle fiabe” dove non importa veramente avere un riferimento temporale.

Protagonista del film è l\'eponima Arrietty, vivace ragazzina alta solamente qualche centimetro che fa parte del popolo dei prendinprestito e che vive con la madre e il padre in una casa ricavata sotto il pavimento di quella degli umani. La famiglia vive prendendo in prestito dalla casa degli umani quello che gli occorre durante la notte, e mantengono il più assoluto riserbo sulla propria presenza: l\'essere visti da un umano è considerato un pericolo gravissimo.

Un giorno però il giovane Sho si trasferisce con la zia in questa bucolica casa alla periferia di Tokyo in cerca di riposo in vista di una importante e rischiosa operazione al cuore, e una notte riesce ad intravedere la piccola Arrietty. Il ragazzo da quel momento cercherà di avere un contatto con Arrietty, mettendo così a rischio la presenza nella casa della piccola ragazza e dei suoi genitori.


Una casa ben arredata...

Lo stile Ghibli è perfettamente intatto in questo film, il character design e il modo in cui sono disegnati gli sfondi non si scostano nemmeno un poco da quel tratto caratteristico a cui siamo abituati: le ambientazioni sono curatissime, molto colorate e spesso così ricche di dettagli che quasi distraggono. Ogni pianta presente nel giardino e nella stanza di Arrietty è realizzata in modo realistico e dettagliato, ogni rifinitura della piccola casa delle bambole è distinguibile e accurata. Le animazioni sono poi molto fluide e convincenti e tutto trabocca di quei colori saturi e luminosi a cui ci ha abituato lo studio Ghibli.



Anche la colonna sonora è di notevole fattura, brani dalla delicata esecuzione si susseguono a brani dal ritmo più serrato, e tutti risultano efficaci e molto gradevoli all\'ascolto; non si ha mai la sensazione di una nota fuori luogo, dall\'inizio fino alla bella canzone degli splendidi titoli di coda.

Il doppiaggio italiano è stato realizzato con la solita cura riservata alle produzioni più recenti dello studio Ghibli, e si presenta quindi come un lavoro di fattura molto buona che evita quella sovra-recitazione che spesso sentiamo nei doppiaggi dei lavori di animazione giapponesi. È tuttavia un doppiaggio che non riesce a brillare come quelli realizzati per altri film dello studio Ghibli, anche a causa di alcune “sbavature” nella primissima parte del film, come l\'incertezza nella pronuncia del nome “Arrietty”, che finisce per essere inizialmente pronunciato con una innaturale enfasi sulla doppia “t”, o un paio di battute recitate con molta poca verve da parte di Manuel Meli, doppiatore di Sho.

La regia di Yonebashi è efficace e presenta a volte soluzioni visive interessanti, con un uso dei piani di profondità che è raro trovare in un lavoro di animazione. L\'utilizzo frequente dei campi lunghi e di inquadrature larghe permettono al regista di riempire le scene di oggetti e dettagli, tanto che a volte si finisce quasi col perdersi nell\'osservare ogni minuzia, in un caos apparente che risponde sempre però ad un ordine visivo ben preciso.


...Ma con qualche crepa

Yonebashi non riesce tuttavia a mantenere un ritmo efficace lungo tutta la durata della pellicola, tanto che per la prima metà il film risulta lento e, cosa ben più grave, rimane sostanzialmente vuoto di un contenuto vero. La storia non accenna a partire prima che almeno metà pellicola sia stata proiettata, e questo vuoto ricade pesantemente sullo spettatore, che è sì incantato dalla bellezza visiva, ma non riesce a trovare un vero motivo per interessarsi alla vicenda.



Quando finalmente la vicenda comincia a prendere corpo il film concede il meglio di sé, regalandoci qualche divertente siparietto e una storia effettiva da seguire. Yonebashi riesce a dirigere questa seconda parte con un ritmo migliore, più serrato, rendendo il tutto molto gradevole, ma il peso della lentezza precedente è difficile da dimenticare e finisce per lasciare l\'amaro in bocca per una storia che avrebbe potuto raccontare molto di più: è quasi paradossale che le immagini su cui scorrono i titoli di coda siano forse le migliori di tutto il film.

A volte si ha l\'impressione che la necessità di rispettare una continuità stilistica con i precedenti lavori dello studio Ghibli abbia come "castrato" il film, a cui forse avrebbe giovato proprio l\'utilizzo di quella dinamicità e sperimentazione di cui Yonebashi è capace. Le scene più riuscite sono infatti quelle in cui si cerca una soluzione visiva meno classica, meno legata allo stile di Hayao Miayazaki.


Conclusioni

“Arrietty – il mondo segreto sotto il pavimento” è un film gradevole, di buona fattura e che sarà sicuramente servito al promettente esordiente Yonebashi a farsi le ossa, ma non può reggere il paragone con i film diretti dal maestro Miyazaki, né brilla particolarmente nel mondo dell\'animazione. Merita comunque una visione, sia per passare un\'ora e mezza tutto sommato piacevole, sia per poter osservare l\'eventuale evoluzione di Yonebashi quando tornerà alla regia.

 

Lassù nel veneto...

Se però pensate che questa sia la premessa di una storia di denuncia sociale venata di umorismo, sbagliate di grosso. Forse le intenzioni del regista Francesco Patierno erano proprio quelle, ma il risultato finale è un film che non riesce mai a distaccarsi dai soliti luoghi comuni e che presenta un finale che lascia con l\'amaro in bocca e con la sgradevole sensazione che in fondo, dopo un periodo di assestamento, degli immigrati si possa anche fare a meno. Intendiamoci, il film non presenta una Italia in ripresa; l\'Italia dell\'ultima scena è ancora in grossi guai e non ne vede l\'uscita, ma l\'atteggiamento di alcuni personaggi sembra suggerire che nessuno creda davvero più che le persone scomparse torneranno, e che tanto vale andare avanti come se non fossero mai esistite.

Ciò che salva questo film da commenti più duri è l\'interpretazione di Diego Abbatantuono e Valerio Mastandrea, che in piena forma (forse più il primo che il secondo), danno vita ai due personaggi che da soli tengono a galla il film. Abbatantuono interpreta il già citato industriale-telepredicatore, che tanto ricorda certi volti che compaiono veramente in alcune emittenti locali italiane, mentre Mastandrea è un commissario di polizia dai modi a volte brutali ma mai veramente violenti che segue una morale tutta sua, un ruolo spesso interpretato dell\'attore romano. È solamente la carica di aggressività di Abbatantuono e la “faccia di bronzo” di Mastandrea a scatenare le risate del pubblico e a mantenerlo interessato in attesa della prossima scena.

Il film segue le vicende di questi due personaggi, attorno alla cui orbita ne ruotano altri, a loro volta con le loro storie. Come la maestra elementare interpretata da Valentina Lodovini, ex-fidanzata del commisario-Mastandrea, che si trova doppiamente coinvolta emotivamente nella sparizione degli immigrati, in quanto maestra di alcuni bambini scomparsi e in quanto sentimentalmente legata ad un giovane operaio di colore.

...Le cose non vanno così bene

La recitazione della Lodovini è l\'unica nota dolente in un cast che funziona, non sembra inserire nel personaggio nulla di suo creando così un personaggio che non offre particolari sfumature. Ciò non sarebbe un difetto particolarmente grave in un film di questo tipo, ma in una pellicola dove è solo la bravura degli attori e qualche battuta azzeccata a mantenere viva l\'attenzione degli spettatori, ogni “pezzo” dell\'ingranaggio che non funziona come gli altri diventa particolarmente evidente.

La regia di Patierno fa il suo dovere senza proporre nessuna inventiva o vitalità, e a volte fornisce delle soluzioni visive discutibili che finiscono per disorientare lo spettatore. Un esempio esplicativo di questo sono le scene nella casa della madre del commissario: poiché la signora soffre di Alzheimer, per la casa sono stati sparsi molti cartellini con note per aiutare la memoria dell\'anziana, ma questi cartellini non sono mai completamente a fuoco, se non per brevissimi istanti, portando lo spettatore a capire solo con fatica cosa realmente siano.

Nemmeno la fotografia riesce a migliorare le scelte di regia, e anche se non si può dire che siano presenti problemi, ci si sarebbe potuti aspettare qualche guizzo di genio invece che un ambiente “canonico” che non riesce davvero a mettere in risalto le scene.


Conclusioni

“Cose dell\'altro mondo” è un film che può piacere, presenta diverse battute azzeccate e un cast di buon livello, tuttavia lascia l\'amaro in bocca per una vicenda che non decolla mai veramente, una trama che si barcamena maldestramente tra il comico e il serio, che non si eleva mai dal luogo comune, che sembra essere non una critica che vuole ribaltare i luoghi comuni, ma un semplice film comico che usi come pretesto un evento assurdo.

I Cinque Cicloni e Po, in uno dei suoi soliti siparietti

STAIRS!

Come già detto, uno degli aspetti che hanno reso Po un personaggio tanto amato è sicuramente la sua simpatia.
Un panda ingordo, insaziabile, impacciato, sognatore e sfaticato, chiamato ad essere il grande Guerriero Dragone, rappresenta un mix unico e innegabile di simpatia e divertimento. Tanto nella prima quanto in questa seconda avventura, Po è una macchina comica inarrestabile, e questo suo humor viene reso irresistibile soprattutto da una spiccata caratterizzazione donatagli dal suo “alter-ego” vocale, Jack Black.
Se ciò non bastasse, la lodevole regia della giovane e intraprendente Jennifer Yuh Nelson, la perfetta simbiosi tra i singoli personaggi e il geniale lavoro svolto dagli autori (Jonathan Aibel e Glenn Berger), rendono Kung Fu Panda 2 un continuo cabaret, capace di ispirare la risata nello spettatore dalla prima all’ultima scena, pur non rinunciando ai momenti più profondi ed emozionanti, abilmente amalgamati nell’intreccio della trama.
Stavolta Po è messo di fronte al suo vero passato: ricordi annebbiati riaffiorano alla sua mente, e la ricerca della verità si rivela inizialmente un ostacolo all’adempimento della sua missione. Insieme ai suoi fedeli compagni, i Cinque Cicloni, il Guerriero Dragone intraprende un lungo e rischioso viaggio per salvare la Cina dal malvagio Lord Shen, che vuole cancellare il Kung Fu; ma, trovandosi di fronte alla scoperta delle sue vere origini, Po comprenderà alla fine quali sono i valori e i legami che contano davvero nella vita.
Un’avventura ricca di colpi di scena, di momenti allegri ma anche di altri cupi, di incertezze e di domande ma anche di sicurezze e risposte. Ancora una volta le prove che il buffo panda dovrà affrontare riveleranno che la vera forza risiede dentro se stessi, e che solo con la purezza dei sentimenti si possono compiere le imprese più grandi; una morale che, come spesso accade in un film d’animazione, aiuta ad aggiungere a quella carica di simpatia e intrattenimento qualcosa di più profondo, comprensibile anche ai più piccoli; il tutto, come sempre, senza mai dimenticare di farlo divertendo in maniera semplice, diretta, immediata e genuina.

Il piccolo Po, ancora ignaro del grandioso futuro che lo aspetta

Animazione reale

Se Jack Black dovesse un giorno trasformarsi improvvisamente in un animale, di sicuro diverrebbe il panda Po. La straordinaria carica che l’artista statunitense riesce ad imprimere nel suo bizzarro alter-ego animato definisce in quest’ultimo una caratterizzazione così speciale e personale tale da sconvolgere il semplice doppiaggio sino a raggiungere un livello di impersonificazione praticamente totale.
Lungo tutta la durata del film è impossibile non “vedere” chiaramente l’attore leader dei Tenacious D nelle espressioni, nei gesti, nelle battute, negli sguardi dell’eroico panda guerriero.
Il doppiaggio praticamente perfetto dona al personaggio un enorme valore aggiunto, innalzando la versione originale ad un livello superiore, e questo grazie all’ottimo lavoro svolto non solo da Black, ma anche dal resto del cast, eccezionale in ogni singolo frammento del film.
Il risultato finale giustifica sicuramente i nomi altisonanti chiamati a prestare la loro voce (tra cui, oltre ai già citati precedentemente, anche Jean-Claude Van Damme), tutti maestri nel regalare al proprio personaggio un carattere unico e una dose di originalità apprezzabilissimi. A tutto questo bisogna aggiungere un contorno altrettanto eccellente composto da una colonna sonora magistrale, diretta dal solito Hans Zimmer, capace in ogni scena di trasmettere secondo per secondo le sensazioni più adatte nel migliore dei modi.
Lo spettatore riesce così a godere per tutto il film di una produzione sonora tra le migliori mai realizzate da Dreamworks Animation, piacevolissima sin dall’inizio sia nelle musiche d’ambientazione che negli effetti sonori, ma soprattutto, come già detto sopra, in un doppiaggio di altissima fattura, degno dei professionisti al quale è stato affidato.


Fuochi d\'artificio

Fatti i dovuti complimenti per ciò che riguarda il comparto sonoro, in un film d’animazione una grossa fetta del successo dipende dal reparto grafico e dall’animazione in sé. Fortunatamente, su questo punto i ragazzi di Dreamworks non lasciano a desiderare e ancora una volta finiscono con lo sfornare un ammirabile capolavoro estetico.
Oltre a far notare la non indifferente scorrevolezza delle scene, sia notturne, spesso dominate da tonalità legate ai “cattivi”, che diurne, la varietà cromatica anche questa volta regna incontrastata e regala una diversità di colori e luci perfettamente mescolati tra loro tanto da rendere più vivi gli ambienti e più originali anche i personaggi meno importanti.
Per quanto riguarda l’animazione, in questo secondo capitolo ancor più che nel primo la rapidità e la frenesia dei movimenti si moltiplicano così come le scene di combattimento e d’azione, accrescendo la dinamicità del racconto senza mai esagerare né renderlo noioso.
Riuscire a seguire questa “danza” di pugni, calci, salti, capriole ecc., diventa, oltre che divertente, considerando i frequenti e bizzarri siparietti, estremamente facile, grazie appunto ad una resa dei movimenti così precisa e fluida tale da non confondere mai lo spettatore e anzi da trascinarlo fino a un climax che lo coinvolge dall’inizio alla fine del film.

Una delle scene più frenetiche e avvincenti del film

Un discorso a parte va fatto per il 3D, ovviamente presente, in linea con la scelta di Katzenberg che a partire dal 2009 ha scelto di produrre in tre dimensioni tutti i film firmati DreamWorks Animation: per quanto non siano presenti scene appositamente create (come altri titoli hanno fatto), il 3D in Kung Fu Panda 2 riesce a raggiungere un altissimo livello di profondità che aumenta la resa grafica soprattutto nelle scene con molti personaggi ed elementi; nessun elemento che faccia sbalordire, ma tanti effetti minori sparsi per tutta la pellicola e soprattutto una lucidità e profondità maggiori tipici dell’utilizzo di questa tecnica. Consigliato a chi lo apprezza, ma il film rimane comunque visibile senza rimpianti anche ai tradizionalisti amanti delle due dimensioni.
L’elemento migliore, comunque, è senza dubbio rappresentato dalla resa caratteriale dei singoli protagonisti. Un doppiaggio e un’interpretazione così eccellenti infatti non potrebbero nulla senza un’adeguata trasposizione animata, la quale riesce a portare sullo schermo tutta l’abilità degli attori in carne e ossa e ad inserirla dentro i loro personaggi. Come già anticipato, in ogni espressione, sguardo o esclamazione di Po è possibile sentire molto più che la sola voce di Black; si ritrova trasmesso anche tutto il suo carattere, cosicché l’unica differenza tra i due sia costituita da un involucro animato: Po è a tutti gli effetti l’Avatar di Jack Black, e lo stesso accade con tutti gli altri protagonisti, eccezionali nel donare una grande unicità al proprio personaggio.
In questo modo Kung Fu Panda 2 finisce col possedere entrambi i pregi: la personalizzazione di personaggi in carne e ossa insieme all’infinita possibilità di espressione tipica di un film d’animazione; il film diventa una perla visiva e con le sue caratteristiche si presta davvero a tutti, grandi e piccini, promettendo intrattenimento a 360 gradi e tanta voglia di rivederlo.


Perché no?

Perché non andare a vederlo? Kung Fu Panda 2 è divertente, ben realizzato, con un’ottima colonna sonora, un doppiaggio (in lingua originale) praticamente da Oscar e uno (in lingua italiana), che sappiamo già sarà all’altezza. Un’animazione di alto livello accompagna una trama avvincente e scorrevole, condita da un’ottima caratterizzazione dei personaggi e da humour in gran quantità, per un risultato finale più che soddisfacente che incolla lo spettatore alla poltrona sino alla fine dei titoli di coda. DreamWorks si è superata e ha sfornato ancora una volta un “secondo capitolo” addirittura superiore al primo (com’era già accaduto con Shrek), sfatando il mito secondo il quale i sequel perdono sempre di qualità e originalità. Un film da vedere, per bambini e adulti, in grado di regalare 91 minuti di puro divertimento, con o senza 3D, e che tra l’altro apre ad un probabilissimo sequel. Consigliatissimo.

Che lo scontro abbia inizio!

Gli eventi si collocano tra la fine di Tekken 5 e l’inizio di Tekken 6. Le due società rivali, la G Corporation di Kazuya Mishima e la Mishima Corporation di Jin Kazama, vogliono entrambe  raccogliere informazioni riguardo uno studente del liceo di Kyoto di nome Shin Kamiya. La scuola si rivela essere un posto esclusivo riservato a ragazzi di famiglie facoltose, ed è quindi impossibile per entrambe le corporazioni raccogliere informazioni dall’esterno. A tale scopo, quindi, ingaggiano rispettivamente Ling Xiaoyu e Alisa Bosconovitch. Tra le due protagoniste si instaura un debole rapporto d’amicizia che si trasforma ben presto in rivalità, ma prima ancora che la loro missione possa essere compiuta, Shin verrà rapito da un misterioso personaggio.

Il buono

Dal punto di vista tecnico il film mostra i “muscoli”, il lavoro dei Digital Frontier e la direzione artistica di Youichi Mouri, responsabile delle opening di Tekken 5 e Tekken 6 Bloodline Rebellion, si fa apprezzare per le suggestive scene di combattimento che tengono fede al nome “Tekken”; gli appassionati riconosceranno certamente i colpi, le combo e le prese che hanno reso famoso il videogioco. Se da un lato le scene action catturano per la spettacolarità e i frequenti richiami, quello che colpisce nelle fasi più narrative del film, è il dettaglio delle immagini, in particolar modo dei primi piani dei personaggi, dove possiamo notare un’espressività che altri film d’animazione non hanno. Solo in alcuni passaggi l’animazione risulta incerta, ma questo non compromette il buon lavoro finale.
 

Il brutto

Se avete letto fino a questo punto, potreste pensare che, finalmente, si è trovato il giusto equilibro tra film e videogame, ma purtroppo così non è.
L’inizio del film è promettente, si entra subito nel clima giusto, con un combattimento che vede fronteggiarsi le sorelle Nina e Anna Williams, rivali e al soldo della G Corporation e della Mishima Corporation. Ma quando l’attenzione si sposta sulle due “protagoniste” Ling e Alisa, il film subisce una battuta d’arresto, e lo spettatore si trova in una fase noiosa dove troppa importanza viene data al fanservice e ai cliché tipici delle situazioni scolastiche giapponesi. Questo “periodo”, che sarebbe servito a spiegare il perché di tanto interesse nei confronti di Shin Kamiya, è invece lungo, frammentario e con poche spiegazioni, lasciando lo spettatore in balia del susseguirsi degli eventi senza un solido filo conduttore.
I personaggi che hanno una parte attiva nella storia sono pochi, alcuni sono delle semplici comparse, altri, come Lee Chaolan nelle improbabili vesti di professore, sono completamente fuori dal loro contesto “originale”; certo, alcuni interventi del “Professor Lee” riescono a strappare un sorriso alla platea, ma sempre tuttavia fuori luogo.
Nonostante allo spettatore resti la delusione di non aver assistito ad uno scontro annunciato fin dai primi minuti, la fase finale del film si rivela essere la più interessante, grazie ad un inedito "vs" a tre, dove grande spazio viene concesso a combo, proiezioni e "trasformazioni".
 

Il cattivo

Ad oggi, non esistono ancora film d’animazione che riescono nell’arduo compito di trasportare sul grande schermo le stesse emozioni della serie a cui si ispirano. Tekken Blood Vengeance non fa eccezione; tecnicamente bello, ma sostanzialmente mediocre e vittima dei gusti giapponesi. Lo spettatore viene circuito per novanta minuti con una storia inutile e lacunosa, con il chiaro intento di essere "traghettato" verso lo scontro finale. Il pretesto per farlo è talmente banale che gli stessi protagonisti si scontrano solo perché devono farlo e nient’altro.
Anche gli appassionati della saga di Tekken resteranno delusi da questo film, che è capace di farsi apprezzare solo per la realizzazione tecnica e gli scontri.