Per un mondo migliore

Ma cos\'è Laputa, questo fantomatico castello nel cielo? Esso è poco più di una leggenda sulla terra, una leggenda alimentata da storie di un\'isola che fluttuerebbe tra le nuvole, invisibile a tutti. Uno dei pochi che può dire di averlo visto sul serio è proprio il padre di Pazu, che è perfino riuscito a scattare una foto del castello quando fu sorpreso da una tempesta in un viaggio in aeronave. Anche per questo motivo Pazu si sente particolarmente motivato nell\'aiutare Sheeta, ma essendo poco più di un bambino è quasi impotente e facilmente ingannabile dall\'astuto Muska, che sembra poter contare sull\'appoggio dei militari. In suo soccorso arriverà inaspettatamente proprio Dola con i suoi pirati, che si tramuteranno in alleati strampalati ma indispensabili per salvare la ragazza e impedire a Muska di mettere le mani su Laputa.
I temi cari a Miyazaki ci sono già tutti, a partire dalla tecnologia che sfugge di mano rappresentata dal robot da guerra di Laputa, intrinsecamente pacifico ma costretto a nuocere perché capace di utilizzare solamente la forza per raggiungere i propri scopi, quasi fosse una allegoria della storia dell\'umanità.
Il caos e la distruzione generati dalla lotta con il robot vengono rappresentati con un impatto visivo forte che punta a mettere a disagio lo spettatore, a fargli percepire l\'orrore della guerra e la devastazione che un intervento militare può creare. Ed è solo la natura l\'elemento purificante che permette ad un mondo, quello passato del regno di Laputa, di essere mondato dalle proprie colpe, anche se la mancanza di esseri umani getta una luce inquietante sulla speranza di Miyazaki (perlomeno di questo Miyazaki della guerra fredda) che questo processo si verifichi senza essere forzato da un immenso trauma.
Dicevamo già che quest\'opera risale al 1986 ed è il terzo lungometraggio animato del Maestro, cosa che è possibile verificare non solo dallo stile del disegno e dell\'animazione ancora legati al proprio decennio, ma da alcune piccole incertezze di regia durante la prima parte del film. Capita infatti a volte che lo stacco tra una scena e l\'altra sia troppo brusco, facendo percepire come un piccolo "salto" nel montaggio; questo problema durante la seconda metà del film non si è più presentato, a conferma di un Miyazaki che, pur già grande, sta ancora imparando e sa correggersi in corso d\'opera.





La realizzazione dei personaggi non è particolarmente dettagliata, pur attestandosi su livelli molto buoni, mentre gli elementi meccanici e i fondali presentano un ottimo livello di dettaglio, sempre nell\'ottica di un\'opera realizzata negli anni \'80 e con un budget ben lontano dalle produzioni Ghibli più recenti. L\'animazione si presenta invece molto fluida in tutti i casi, perfettamente degna di essere fruita sul grande schermo cinematografico.
La colorazione è tendente al pastello come è quasi marchio di fabbrica dello studio Ghibli e contribuisce a rendere ancora più vivo un mondo già calcato da personaggi coloratissimi come la vecchia Dola e i suoi pirati. Per i paesaggi la scelta di Miyazaki è invece caduta su toni più sfumati, quasi da acquerello, e l\'effetto è quello di una natura più realistica e viva. Notevolissimi i titoli di testa, realizzati con un particolare stile grafico che ricorda da vicino le illustrazioni dei libri della seconda metà dell\'800 e che sono una vera e propria gioia per gli occhi.

Per parlare delle musiche è necessario fare una digressione, esistono infatti due colonne sonore di Laputa composte da Joe Hisaishi, una per il mercato giapponese composta all\'uscita del film e una realizzata dallo stesso Hisaishi per l\'uscita americana, rimaneggiando non poco la prima colona sonora per renderla più appetibile, a loro dire, al pubblico occidentale. Per una questione di diritti la versione rimaneggiata divenne de facto quella utilizzata per il mercato internazionale, compreso quello italiano dove il titolo era già uscito in DVD nel 2004 ad opera della Buena Vista.
La Lucky Red, che ha da tempo acquisito i diritti di tutti i film Ghibli per l\'Italia, ha deciso di utilizzare invece la colonna sonora originale composta per il mercato giapponese, per la grande gioia dei fan che hanno sempre preferito questa versione a quella americana. Possiamo subito dire che questa si è rivelata una scelta molto felice, in quanto le musiche di Hisaishi accompagnano le immagini senza perdere mai un colpo, senza mai risultare fuori luogo o inefficaci. Siamo rimasti quasi stupiti della forza espressiva che queste musiche riescono ad avere.
Questa sorta di operazione filologica su Laputa ha potuto avvalersi di un nome notissimo tra chi si interessa di adattamenti, ovvero di Gualtiero Cannarsi, ormai storico adattatore di animazione giapponese che si era già occupato della precedente edizione del film. Quello che Cannarsi ha fatto con questa nuova edizione è di rielaborare il proprio lavoro approfondendolo anche grazie al rapporto diretto che si è sviluppato tra lui e lo studio Ghibli stesso, potendo così dipanare ogni dubbio direttamente alla fonte. La Lucky Red e Cannarsi, che questa volta si è occupato anche della direzione del doppiaggio, hanno deciso di riprendere per quanto possibile il cast dell\'edizione Buena Vista nel nuovo doppiaggio perché ritenuto di ottimo livello, e possiamo confermare che il lavoro svolto è di assoluta qualità con una Eva Padoan nel ruolo di Sheeta in ottima forma e l\'eccellente performance a cui ci ha ormai abituato Sonia Scotti.





La fantasia al potere

Ma come ha retto Laputa al passare degli anni, al confronto con le opere successive del Maestro? La qualità tecnica è inevitabilmente inferiore a quella di una "Città Incantata", ma la narrazione è solida e avvincente, lo spettatore viene facilmente catturato dalla storia e presto si ritrova a sognare di aeromobili, pietre luminose e castelli nel cielo. È facile perdersi tra le nuvole in cui volano i protagonisti o rimanere incantati da una grotta che si illumina come se le rocce fossero lucciole, o ancora ammirare l\'architettura del castello di Laputa e i suoi rigogliosi giardini.
Ecco come ha retto benissimo, senza mostrare alcuna crepa. Le piccole pecche di inesperienza alla regia sono così più che perdonabili e non inficiano un lavoro di una qualità non comune.
Per chi si vuole avvicinare per la prima volta alle opere di Miyazaki questo è probabilmente uno dei modi migliori per farlo, perché nel film sono presenti tutti i suoi temi caratteristici e lo stile che lo ha reso famoso prima in Giappone e poi nel Mondo; è un film godibile per tutta la famiglia grazie ai suoi diversi livelli di lettura e riesce ad essere estremamente piacevole ad ogni livello. Diverte allo stesso modo il bambino, l\'adolescente e l\'adulto, e anche se lo fa per motivi diversi, l\'intensità con cui si viene colpiti è la stessa. 

"La famiglia Michelucci al completo"

Una storia di vita qualunque

La storia della famiglia Michelucci prende il via quando Anna Ningiotti, una donna incantevole e piena di vitalità madre di due figli e sposata con Mario, vince il titolo di “mamma più bella” durante un concorso estivo indetto su una spiaggia di Livorno, città dove è ambientato il film. Quella “vittoria” assolutamente inaspettata si abbatte come un uragano sulla tranquillità della famiglia. Il marito è estremamente geloso della moglie: una sera perde il controllo e, dopo una violenta litigata, la manda via da casa, insieme ai due bambini piccoli, costretti a subire per tutta l\'arco dell\'infanzia una vita nomade.

La vicenda viene raccontata attraverso una serie di flashback che lentamente fanno luce sul passato della madre e dei due figli mentre nel presente la vita va avanti, tra rimpianti e bei ricordi. Già dai i primi istanti del film si possono delineare i profili caratteriali di Bruno, il primogenito e Valeria. Il primo tiene quasi sempre il broncio ma è molto responsabile e si prende cura della sorella, che mostra invece un carattere più aperto e spensierato.
 

"La mamma è sempre la mamma.."

Nel presente Bruno è un uomo infelice della propria vita. Per colmare il proprio vuoto interiore ricorre anche all\'utilizzo di sostanze stupefacenti. Un giorno viene prelevato da scuola, dove insegna, dalla sorella che lo informa che la madre si è sentita male. Anna, nonostante sia una malata terminale, mostra una vitalità senza precedenti: guarda “Uomini e Donne”, legge riviste e accoglie il figlio come se fosse ancora il suo bambino piccolo. La sua voglia di continuare a vivere la porterà anche a fuggire dall\'ospedale: Bruno deciderà di assecondarla portandola a fare shopping e a ballare. Nel frattempo continua il racconto del passato travagliato della famiglia, tra la madre invitata ad entrare nel mondo del cinema fino ad arrivare ai primi problemi adolescenziali dei due ragazzi. Tra i personaggi secondari troviamo citiamo Leda Ningiotti, sorella di Anna, sempre ligia al dovere, severa nei confronti dei nipoti e invidiosa dell\'aspetto di sua sorella e Loriano, un uomo da sempre legato alla famiglia Michelucci. Uno dei momenti migliori, nonché strappalacrime dell\'opera è sicuramente la parte conclusiva che saprà commuovervi e farvi riflettere allo stesso tempo su uno dei temi dominanti della vita: l\'amore e le insicurezze legate ad esso.
 

"..sempre"

In conclusione

Tutti gli attori, dai protagonisti ai personaggi secondari, de La prima cosa bella recitano in modo pregevole, portando in scena un\'opera realistica che sa emozionare, come poche produzioni italiane uscite in tempi recenti sono riuscite a fare. Tirando le somme, La prima cosa bella è una vera e propria chicca del cinema italiano da non perdere assolutamente. Se siete amanti delle storie di vita reale amerete il film come amate “la prima cosa bella”, ovvero la persona che vi ha dato la gioia di vivere la vostra vita. Eccellente.

E questo "Pirati! Briganti da Strapazzo" è infatti un piccolo capolavoro di animazione, a partire dalla sceneggiatura di Gideon Defoe, che essendo l\'autore del libro originale ha potuto rielaborare il proprio scritto senza paura di tradire lo spirito originario.

Arrrrr! All\'arrembaggio!

Protagonista di questa avventura è lo sfortunato Capitan Pirata (questo il suo nome) e la sua ciurma di scalcagnati pirati dediti all\'arrembaggio, al saccheggio e al mangiare prosciutto.
Il cast di personaggi è colorato quanto ci si potrebbe aspettare, tra il barbutissimo Capitano, il pirata albino, il "pirata straordinariamente procace" che riesce a tenere nascosto il suo essere donna, la regina Vittoria e un giovane Charles Darwin, non c\'è chi non sia piacevolmente colorato e sopra le righe.

Questo strano miscuglio tra pirati, regine e scienziati verrà coinvolto in un gioco di interessi diversi in cui al centro di tutto si trovano due cose: lo strano "pappagallo" del Capitano e il titolo di "Pirata dell\'Anno".
Tra le isole caraibiche si svolge infatti un concorso indetto dal Re dei Pirati, strano figuro simile ad Elvis, per la carica di pirata dell\'anno a cui il nostro Capitano partecipa invano da molti anni, potendo contare solo sulla sua foltissima barba come vantaggio sugli altri. I suoi tre sfidanti sono invece temutissimi pirati in piena regola, pronti a narrare grandi avventure e a lanciare sul tavolo sacchi pieni d\'oro.
Inutile dire come i tentativi della ciurma si riveleranno fallimentari anche questa volta, perlomeno fino al momento in cui decidono di assaltare la nave in cui viaggia un Charles Darwin ancora lungi dallo scrivere il suo "Le origini delle specie".

Bisogna dirlo subito, il film è una gioia per gli occhi: le ambientazioni sono ampie e luminose, cariche di dettagli e coloratissime. Spesso ci si dimentica di star guardando dei pupazzi veri e non un\'opera in CG, per poi rimanere sorpesi quando si nota qualche effetto di luce ancora fuori dalla portata dell\'animazione computerizzata e ci si rende conto che tutto quello che si vede sullo schermo esiste veramente, anche se in piccolo. Ma il computer non rimane completamente fuori e ha la sua occasione di brillare, l\'acqua non può infatti essere riprodotta in stop-motion e nelle scene in mare si agita e spumeggia con un realismo notevolissimo, mostrando come gli animatori della Aardman siano degli artisti a tutto tondo.
Lord fa scorrere la telecamera tra lussureggianti isole caraibiche, oceani, "mappe" e le inquinatissime strade della Londra di fine \'800 senza perdere un colpo o avere un\'incertezza, accompagnando lo spettatore senza offrire riprese particolari o innovazioni, ma svolgendo il proprio compito con mestiere e fantasia. Il regista ha sempre tutto sotto controllo e nulla sfugge al suo occhio, nulla è mai fuori posto o abbozzato. 
Ben scelta la colonna sonora, anche se è piuttosto criticabile l\'idea di utilizzare l\'abusatissima London Calling durante il viaggio fino a Londra, sia perché fuori luogo musicalmente, sia perché la cosa è stata fatta così tante volte da essere ormai una gag completamente imbalsamata, come un comico che racconta una barzelletta vecchissima. Sbavature a parte, le musiche sono un gradevolissimo contorno capace di sottolineare correttamente le scene.



Approdiamo nei lussureggianti Caraibi

Il vero punto di forza del film sono probabilmente le scenografie: ampie, ricche di dettagli, coloratissime. L\'impegno messo dagli artisti, o sarebbe meglio dire artigiani, della Aardman è impressionante ed è difficile anche solo immaginare quanto tempo e precisione ci sia voluto per creare scenografie così maestose. Fortunatamente la fotografia e la regia ci permettono di godere al meglio di questo minuzioso lavoro, inondando di luce le scene dove necessario e usando sapientemente l\'ombra. Quando si lavora in ambienti così piccoli come quelli dei set di stop-motion, ottenere una luce efficace non è semplice, perché si devono concentrare luci molto potenti su spazi molto ristretti.
Come detto all\'inizio il fatto che lo sceneggiatore sia lo stesso autore del libro originale ha permesso alla sceneggiatura di dipanarsi senza intoppi tra gag sempre riuscite e una caratterizzazione che riesce a rendere interessante ogni personaggio. Le gag pur essendo spesso indirizzate ad un pubblico giovane sono sempre godibili per lo spettatore di ogni età, che riesce a trovare il film sinceramente gradevole anche se ha già raggiunto da tempo la pubertà. 

Il 3D in questo caso è una piacevole aggiunta, non è infatti indispensabile per godersi l\'opera, tuttavia essendo ben realizzato riesce a dare quella profondità in più che non fa mai male, e i bambini apprezzeranno le occasionali scene di oggetti che escono dallo schermo.

Il doppiaggio del film ha bisogno di un discorso a parte in quanto l\'utilizzo di due doppiatori non professionisti, Christian de Sica e Luciana Litizzettto, genera naturalmente nel pubblico dubbi sulla riuscita del tutto. Il risultato finale è stato però sorprendente, in quanto a dispetto delle aspettative a essere in difficoltà nel ruolo è la Litizzetto, e non certo De Sica. Il suo doppiaggio di Capitan Pirata mostra come De Sica sia un attore capace, in grado di recitare abbandonando completamente quella cadenza che lo ha reso famoso: si fa quasi fatica a riconoscerlo. Purtroppo però, probabilmente per scelte effettuate dalla produzione, De Sica butta qui e lì una frase con la sua solita cadenza, nel tentativo farlocco di risultare più riconoscibile e simpatico. Quando però non ha di questi "scivoloni" gli si può rinfacciare solamente una occasionale mancanza di verve, un tono più sommesso dove un doppiatore professionista avrebbe fatto lavorare polmoni e diaframma, ma veramente null\'altro. La pur simpaticissima Litizzetto è invece palesemente fuori ruolo, costretta nel corpo di una regina che mal si adatta alla sua voce nasale tanto che il suo doppiaggio risulta credibile solamente quando abbandona completamente la sua particolare tonalità stridula; certo, il risultato non è terribile, ma è comunque palese come sia lei l\'anello debole.

Conclusioni

La Aardman ha fatto un ottimo regalo a tutti i genitori creando un film da far vedere ai bambini durante le vacanze di Pasqua che risulta però divertente e piacevolissimo anche per i genitori. "Pirati! Briganti da strapazzo" è un titolo su cui è difficile trovare difetti, è l\'opera di professionisti che conoscono bene il loro mestiere. Se proprio vogliamo fare un appunto lo facciamo alla produzione Italiana, è davvero necessario chiamare al doppiaggio dei VIP che non sono certo noti per le loro qualità recitative? De sica è stata una piacevole sorpresa, ma probabilmente un professionista avrebbe reso ancora di più, a giovamento del pubblico.

Luci e Ombre

L’ambientazione del film risente sicuramente dell’influenza e della collaborazione di Hayao Miyazaki, i disegni sono simili e danno una sensazione di familiarità che però non dispiace all’osservatore, i colori sono usati con sapienza e le immagini sono evocative e incarnano lo spirito del film. Anche la colonna sonora affidata questa volta non a Joe Hisaishi, storico compositore dello Studio Ghibli, ma a Tamiya Terajima, partecipa nel creare l’atmosfera di questo mondo fantastico.

La vicenda 

Il principe Albert, secondogenito del re Giorgio V d’Inghilterra e duca di York, soffre di balbuzie, e ogniqualvolta si ritrova nella situazione di dover tenere un discorso in pubblico, diventa fonte d’imbarazzo per il regno. Dopo aver cercato l’aiuto di svariati logopedisti, senza ottenere risultati apprezzabili, egli ha ormai deciso di arrendersi e, visto il suo ruolo di figlio cadetto e non destinato al trono, di esimersi dall’affrontare nuove orazioni. Si ritira perciò a vita privata con la moglie e le due figlie. Sarà la duchessa a insistere affinché egli affronti il problema recandosi dal dottor. Lionel Logue, un australiano esperto in problemi di linguaggio, che accetterà di aiutare questo cliente eccezionale a superare le proprie difficoltà, ma soltanto alle sue condizioni. Queste comprendono una totale assenza di formalità, insiste, ad esempio, nel chiamare il principe Bertie, soprannome riservato ai familiari. Inizialmente il rapporto tra i due sembra non funzionare, dopo una seduta in cui Lionel lo spinge a recitare l’Amleto ascoltando la musica ad alto volume, il principe abbandona la seduta portando con sé la registrazione. Sarà riascoltando quest’ultima che noterà stupefatto come i metodi dell’originale Logue potrebbero realmente aiutarlo, infatti i versi di Shakespeare, sono declamati fluentemente senza alcun accenno di balbuzie. Inizia così a fidarsi e a frequentare con assiduità lo studio, sottoponendosi a numerosi esercizi di rilassamento, regolazione del respiro, pronuncia e così via.
Logue scoprirà anche che i problemi del principe hanno radici nella propria infanzia, nel rapporto difficile con un padre troppo autoritario e con il fratello Edward che è, infatti, l’antitesi di quello minore. Forte e determinato, è cresciuto per essere re, è molto sicuro di sé al punto da sfidare tutte le convenzioni sociali diventando il compagno di Wallis Simpson, un’americana divorziata due volte. Relazione che lo porterà, dopo la morte del padre, ad abdicare in favore del fratello minore dopo neanche un anno. Il timido Albert dovrà perciò caricare sulle proprie spalle il peso di un regno e affrontare i propri problemi nel parlare in pubblico. L’epilogo della vicenda passerà alla storia come il più sentito ed emozionante discorso del re, nella proclamazione della guerra alla Germania.

La forza del film negli interpreti

Magistrale l’interpretazione di Colin Firth (Il diario di Bridget Jones, Mamma mia!) che delinea con eleganza un carattere complesso, una timidezza fatta di sfaccettature, l’evoluzione del personaggio verso una maggiore sicurezza di sé e la consapevolezza delle proprie capacità. Il legame con la moglie Elizabeth, interpretata da una bravissima Helena Bonham Carter (Sweeney Todd - Il diabolico barbiere di Fleet Street, Alice in Wonderland), è presentato come un rapporto genuino da cui il principe trae forza e stabilità e i due attori sono bravissimi nel sottolinearlo, anche con la mimica corporea, fatta di piccoli gesti eloquenti. Ultimo, ma non per importanza, un memorabile Geoffrey Rush (Pirati dei caraibi, Shakespeare in love) che, nel ruolo dell’eccentrico Lionel Logue, risulta convincente e azzeccato, dando con la propria forte personalità il perfetto bilanciamento al personaggio di Firth. 

Diretto da Rob Marshall il quarto capitolo della saga Disney differisce molto da quelli che lo hanno preceduto: cambia la regia, che non più affidata a Gore Verbinski, e viene rivoluzionato il cast, di cui non fanno più parte alcuni degli interpreti principali dei primi film, tra gli altri Orlando Bloom e Keira Knightley, mentre si inseriscono volti nuovi come Penélope Cruz e Ian McShane.

La trama
 

La ricerca della Fonte della Giovinezza è il tema centrale della vicenda, a tentare di raggiungerla l’esercito spagnolo, Barbossa divenuto corsaro per conto del re d’Inghilterra e il famigerato Edward Teach, soprannominato "Barbanera". Ma ad avere la mappa è il capitano Jack Sparrow che per questo motivo si troverà in un mucchio di guai. 

Catturato da Angelica, una donna che ha sedotto e abbandonato in passato, è condotto sulla Queen Anne\'s Revenge, la terribile nave di Barbanera e del suo equipaggio di zombie; sotto la minaccia di divenire anche lui come il resto dell\'equipaggio, e anche grazie ad attrazione e senso di colpa nei confronti di Angelica, che nel frattempo si è rivelata come la figlia di Barbanera, Sparrow accetterà di portarli alla Fonte, di cui Barbanera è alla ricerca per scongiurare una profezia che ne decreta la morte.

Barbossa naviga sulla stessa rotta con Gibbs, l’unica altra persona a conoscere l’ubicazione della fonte, per ritrovare Barbanera e vendicarsi dell’uomo che gli ha preso la gamba e la Perla nera, la leggendaria nave che lui stesso ha più volte sottratto a Sparrow. 

Trovare la Fonte non è sufficiente, per usufruire dei suoi poteri serve un rituale, bisogna ritrovare i calici di Ponce de Léon e procurarsi una lacrima di sirena: due persone compiono il rituale, una beve da un calice l’acqua della Fonte, la seconda beve anche la lacrima di sirena, e diventa la vittima del sacrificio che dona all’altra tutti i propri anni vissuti e quelli ancora da vivere. I protagonisti si lanciano perciò in una corsa contro il tempo per recuperare gli oggetti e giungere per primi alla Fonte.  
  

Johnny Depp è il Capitano Jack Sparrow, forse non ci sarebbe altro da dire ma vogliamo sperticarci nell’ennesima lode nei confronti di un attore che è uno dei migliori interpreti dei nostri tempi. Depp è sempre bravissimo ma Sparrow è sicuramente uno dei suoi ruoli meglio riusciti, un personaggio che resta indimenticabile in ogni sua apparizione. Geoffrey Rush interpreta nuovamente Barbossa e lo fa con lo stile che lo contraddistingue, Penelope Cruz fa del suo meglio per dare vita e carattere a un personaggio che manca di entrambi, il resto del cast si barcamena alla meno peggio con personaggi che vorrebbero avere un peso e non lo hanno, come Ian McShane in Barbanera che, sinceramente, non è all’altezza degli antagonisti dei precedenti capitoli, più per colpa del personaggio che dell’interprete; altri personaggi avrebbero potuto avere maggiore spessore se fossero stati sviluppati meglio. 

In conclusione…

Nonostante il cast faccia del suo meglio, il film risulta deludente, soprattutto se paragonato con il resto della saga, per la trama notevolmente meno strutturata e per i personaggi meno sfaccettati. Belle come sempre le scene acrobatiche e le rocambolesche fughe di Sparrow, così come la sua presenza ironica e irriverente; mirabile anche la scena dell’attacco delle sirene, dove si ritrova qualcosa della trilogia originale. L’unico altro spunto interessante sarebbe stato la storia d’amore fra la sirena e l’uomo di fede catturati da Barbanera, tuttavia questa parte è poco approfondita. Film al di sotto delle aspettative, confidiamo quindi nel prossimo capitolo perché, nonostante tutto, I Pirati dei Caraibi non ci hanno ancora raccontato tutto, o almeno così vogliamo sperare.

"Questo è solo l\'inizio..."

Tre vite diverse, stessa situazione

Posti in piedi in paradiso narra le vicende di: Ulisse, un ex produttore discografico che vive nel suo retro del suo negozio di vinili, Fulvio, un ex critico cinematografico che pernotta presso un convento di suore e Domenico, ex imprenditore edile di successo che vive sulla barca di un amico. Tutti e tre condividono la stessa situazione economica, ma soprattutto quella familiare che li ha portati a separarsi dai rispettivi cari.

L\'incontro tra i tre arriva in maniera del tutto casuale: Domenico lavora come agente immobiliare e ha fissato due appuntamenti alla stessa ora per affittare un appartamento. Quando quest\'ultimo capisce che per Ulisse e Fulvio il costo dell\'immobile va al di là delle loro possibilità economiche, decide di proporgliene uno più economico, in cui andrebbero a convivere tutti e tre condividendo le spese. Inizia così una serie di (dis)avventure che accompagneranno i tre uomini.
 

"Ecco Gloria intenta ad osservare il negozio di Ulisse"

Un trio che convince

Uno dei fattori che farà divertire di più lo spettatore è sicuramente il contrasto tra i caratteri dei tre protagonisti: Ulisse, un uomo tranquillo ligio al dovere, Domenico, padre di svariati figli che fa da "accompagnatore" alle signore di mezza età e Fulvio, che ripudia il suo nuovo lavoro di giornalista di cronaca rosa. Le loro esistenze saranno poi influenzate dalla conoscenza di una lunatica cardiologa, interpretata da Micaela Ramazzotti, e dalle rispettive mogli che, a più battute, richiederanno il versamento mensile della quota per il mantenimento dei figli. Ulteriori disagi saranno causati dalla figlia del primo dei tre, residente in Francia, che porteranno il padre e Gloria, la dottoressa, ad andare a Parigi per risolvere la questione.


Tra risate e realtà

Il flm di Verdone oltre che intrattenere piacevolmente il pubblico per ben 120 minuti, fa riflettere sulle situazioni reali, attraverso le tre ministorie dei protagonisti, che possono nascere a causa dei divorzi, dimostrando, con un lieto fine, che è possibile risolvere le difficoltà che si vanno ad incontrare.

"Ci sono momenti come questo in cui riesco a sentirmi felice. Voglio che rimanga tutto così per sempre. Anche se so che per sempre non esiste."

La pellicola si apre con la preparazione di una cena. Davide, scrittore di favole, e Lorenzo, pubblicitario innamorato dei suoi amici, si dedicano alla cucina, intanto gli invitati si stanno dirigendo verso la loro dimora. Compariranno a poco a poco Neval (Sierra Yilmaz), traduttrice di origine turca legata al carabiniere Roberto (Filippo Timi), Paolo (Michelangelo Tommaso) laureato in medicina con la passione per la scrittura, Angelica (Margherita Buy) psicologa che tiene corsi antifumo a cui costrinse i suoi conoscenti a parteciparvi, sposata con Antonio (Stefano Accorsi), un direttore di banca fedifrago, assiduo frequentatore di Laura (Isabella Ferrari), una fiorista operante nel centro di Roma. All\'elenco si aggiungono anche Roberta (Ambra Angiolini), amica e compagna di lavoro di Lorenzo, sfavorita dal punto di vista astrale e con forti problemi di tossicodipendenza, e infine c\'è Sergio (Ennio Fantastichini), imprigionato in un amore, trasformatosi in grande affetto, verso Davide.
Qui comincia a prendere piede la faccenda, si fa la conoscenza dei personaggi con le loro peculiarità caratteriali, ma durante una festa in onore di Lorenzo, che ha acquisito un importante spazio pubblicitario, quest\'ultimo viene colpito da un ictus e muore, impattando, in modo diverso, ciascun membro della compagnia.

"Roma nun fa\' la stupida stasera"

Il regista è innamorato della Città Eterna, e la celebra, passando con la sua cinepresa, per scorci già noti nei suoi precedenti film. Ad esempio la pasticceria e il gazometro già visti ne "La finestra di fronte", lasciando anche spazio ai luoghi caratteristici come l\'incantevole Fontana di Trevi.
Affezionato al luogo è anche chi ha collaborato alle musiche del film: Neffa, il quale ha debuttato come compositore, e Riccardo Eberspacher, che si è dedicato a musiche un po\' tangheggianti, conosciuto per la sua collaborazione nella soundtrack del cinecocomero "Matrimonio alle Bahamas".
Non si può scordare che, tra le canzoni dal sapore caliente, c\'è "Remedios" di Gabriella Ferri, che fa da contorno ad un ballo sensualissimo della Angiolini, passando poi alla traccia, scritta e composta da Neffa, "Passione", che accompagna in modo impeccabile la scena finale, che rievoca alla mente l\'impossibilità che qualcosa possa rimanere inalterata nel tempo, inquadrando un tavolo da gioco vuoto, precedentemente utilizzato dal cast per una partita a ping pong.

"È questo il bello dell\'amicizia: capire le esigenze dell\'altro ed esaudirle ancora prima che ci vengano chieste"

Il meraviglioso affiatamento che lega i membri di questa compagnia, e la perdita prematura di uno dei membri fondamentali di questa, è stata riproposta in modo veritiero e per nulla ridicolo, da un cast di altissima qualità. Tra questi alcuni anche cari al regista, come Stefano Accorsi e Margherita Buy, che collaborarono insieme ne "Le Fate Ignoranti". Qui interpretano una infelice coppia sposata, dove lui è un fedifrago e confuso uomo pronto a lasciare la propria famiglia per inseguire Isabella Ferrari, la donna di cui si è perdutamente innamorato. La Buy, invece, interpreta una psicologa controllata e razionale, che vorrebbe allontanare i problemi e mantenere la tranquillità familiare. L\'altra coppia è costituita da Sierra Yilmenez, traduttrice turca arrabbiata col mondo, che risponde in modo franco e cinico ad ogni provocazione, legata sentimentalmente ad un Filippo Timi che controbilancia la grande forza della donna, adottando un modo di reagire un po\' zerbinistico. Ci sono i single, Ambra Angiolini, che interpreta una donna insicura e timorata dall\'astrologia, che si rifugia nell\'uso di stupefacenti per trovare uno stimolo a continuare la sua piatta esistenza. C\'è anche Michelangelo Tommaso, il quale interpreta un personaggio chiaramente di contorno che non ha molto da dire non essendo parte integrante del gruppo, e anche se lo fosse stato sarebbe rimasto inosservato. Un po\' come Ennio Fantastichini, messo in luce solo nel dialogo tra lui e Lunetta Savino, amante del padre di Luca Argentero. Lui e Pierfrancesco Favino sono gli elementi su cui si focalizza la vicenda, il primo è stato un po\' poco credibile regalando però una interpretazione modesta, il secondo invece è stato grandioso. Grazie a lui il rapporto tra i due uomini ha riacquistato un po\' di credibilità e, dopo il triste fatto, incarnava l\'espressione di un uomo definitivamente distrutto dal dolore.

Mentre Lorenzo Dorme

Il desiderio di Lorenzo sulla perfezione, che tutto rimanga immutato, senza novità od ostacoli, si traduce in una sorta di sonno infinto, rimanendo all\'oscuro di tutto ciò che non può prevedere e inevitabilmente l\'avrebbe fatto soffrire, lasciando negli altri solo una grande ferita nel cuore, soprattutto in quello del suo grande amore.
L\'idea iniziale del regista era intitolare così il suo ritorno alla ribalta, dopo il trionfo dei suoi precedenti lavori, però decise di cambiarlo in quello ufficiale, modifica avvenuta in seguito alla battuta della Angiolini: "E mica posso smettere tutto! Oggi c\'ho pure Saturno contro, c\'avrò diritto, no?".